without gravity - tenderfoot

.:: Asked what it takes to start a band like Without Gravity, singer/guitarist Kalli might answer with a shrug: “A living room, two guitars and some time on your hands.” And so it began in Reykjavik three years ago.

While other Icelandic musicians boasted about the power of their amplifiers, argued about the benefits of this music software or that, worried about the size of their biceps, or simply tried to outweird each other, then the seeds of Without Gravity were sown in private and comfort.

Soon thereafter they started playing concerts in the tinyest of venues, living room sized bars, backrooms of cafes. And the rumour started spreading, that this was something worth listening to, something new, something big in its simplicity way. Yes, Without Gravity are no high concept retro prog-rockers, no metal-gurus, no electronic bleep-n-cuts shyness. What they do is they come and set up their instruments wherever there is space enough and they play as intimately as if they were among old friends.

Then after touring and testing their songs for the last two years Without Gravity went into the studio and recorded their first album Tenderfoot. Listening to it will transport you to the place where it all started, the roots of music, of communicating with a song and words, the living room in the eye of the storm. Because, as it says in 'Beautiful Son', the hurt will find us anyway.

"It’s no secret that Icelanders are responsible for some of the most quirky music of recent times. From Einar from the Sugarcube’s ‘rapping’ through Björk to the glacial glitches of Sigur Rós and Mum, this island has the weird-music market covered. That is why Without Gravity stand out. These Icelandic quartets make do with the instruments their countrymen regard as too staid: guitar, drums and double bass. There’s no pretending to reshape the musical landscape here, just an emphasis on soothing acoustic songs that bubble over with melodies. All highlighted by the ethereal voice of singer Kalli, who graces the songs on their debut album Tenderfoot. With shades of Thom Yorke, Jeff Buckley and a touch of Kristin Hersh - yet without their more irritating vocal tics. Absolutely luscious." - Metro Newspapers

A beautiful accident i suffered some year ago on the net.
***One of my personal favorite favorite favorite albums***

.:: Alejados de todo. Alejados de las pretensiones de innovación, de estar a la vanguardia, a la par de sus connacionales (Sigur Ros, Minus, Björk, por mencionar sólo algunos): incluso casi alejados de la escena misma de su natal Reykjavik. Without Gravity se nos muestra como una analogía de lo que es su país de origen: una pequeña (gran) isla, en medio de un inmenso oceáno.

Without Gravity logra capturar con sencillez y gran sensibilidad el objetivo primero de la música: Comunicación.
Volviendo la mirada a lo básico y sin ayuda de poderosas herramientas tecnológicas, estos islandeses nos muestran que no hay necesidad de grandes producciones, instrumentaciones o un enorme plan de mercadotecnia para poder mover las fibras más sensibles de quien los escucha... Bastan tan sólo un par de guitarras acústicas, un contrabajo, un sencillo set de batería, una gran voz y mucho sentimiento (sentimiento de verdad) para poder hacerlo.

Con todo esto como antecedente, es increíble el hecho de que este cuarteto se muevan en el círculo de pequeños bares y cafés de Islandia, en donde poco a poco, mediante el viejo proceso del "boca en boca" han ido acrecentando su base de seguidores. Debe ser genial estar sentado de lo más tranquilo en un café con tus amigos o tu pareja y sorpresivamente encontrarse con una suave bofetada sonora como esta...

Una verdadera joya difícilisima de conseguir y uno de esos hermosos accidentes que te pasan vagando en la red.

***Uno de mis discos favoritos de todos los tiempos***

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kaada & patton - romances

.:: If you’re a fan of either of these artists then this release isn’t going to surprise or confound you. In fact, it shouldn’t surprise anyone that a full-length collaboration like this was in the cards from the moment that Norwegian Kaada signed onto Ipecac’s roster. Patton has collaborated with nearly everyone on the label. As such, those unaware of the full Patton picture apart from Faith No More or Fantomas’ debut could be expecting raspberries blown over a stilted orchestra interspersed with grind Metal and Patton screaming “sex crime”, while Kaada bangs a triangle in a well. That’s why it’s so nice to hear the side of Patton’s vocals that still inhabits a sleazy red velvet lounge in full effect, sliding neatly into Kaada’s musical beds.

Romances sounds like it wants to be a 70s soundtrack to a European romance. That being said, there’s an edge of cobwebs, greasy sexual obsession and general oddness here that prevents it from ever being used as a conventional seduction backing track. But if you should ever get a gonorritic Wednesday Addams back to your place and need some tunes to soundtrack unpicking her stitches, then this is the record.

Here, and in his solo work, Kaada uses traditional (even folky) instrumentation in ways beyond mere sampling and placement in unusual contexts. His love of show-tunes, found sounds and his approach to ‘borrowing’ invests the album with a depth beyond just straight kitsch.

Take what seems to be the hook from Simon & Garfunkel’s “The Boxer” on “L’Absent” or the Forties Musicals aura and choral parts that surround the rise and fall of “Nuit Silencieuse”. Even though the music is strung-out and spacey through its structure (recurring vocal and piano themes over verse / chorus structures), it’s grounded in melodicism. Kaada takes melody, however, and twists it ever so slightly into a sort of cinematic freak show. This is most evident on “Pensee des Morts”’ twisted chorus and “Invocation”’s Waits-ian organ that has more than a little Vincent Price in it. “Aubade” is the most epic of the tracks, clocking in at over eleven minutes and moving through Fantomasian mini lulls / peaks, soft instrumental passages and varied vocals. Luckily, it still retains a quirky kooky flow, ignoring Lounge’s infamous instrumental longueurs.

Whether this interests anyone but fans of these two is debatable. It will most likely only reach the status of curio in both their discographies, but it’s a curio worth getting lost in for a few listens.

.:: En el universo sonoro de Mike Patton, pareciera no existir la pausa. La proliferación para él, se ha tornado orgánica. Ex frontman de Faith No More, ahora avocado a la diversidad y la búsqueda de un nuevo espacio en donde pueda desplegar sorpresa y contagiarnos luego, de incertidumbre ante el arribo de un flamante álbum.
No sólo Mr.Bungle, Fantomas y Toma Hawk (los hijos más reconocidos y crecientes del artista), encuentra un hábitat desierto de sombras, matices y repentinos cambios de color. Este encantamiento diabólico que genera junto al instrumentista noruego John Kaada, tiene reminiscencias en los combos citados, ya que el sello personal del performer es inconfundible. El pariente más cercano en lo que respecta al aspecto sonoro en general recae en una producción de Fantomas “The Director’s Cut”.
Artesano de lo monstruoso, recrea atmósferas, y disfraza su vocalización de fantasmales tarareos y arreglos corales. El imaginario que propone es lúgubre, y practicando con vehemencia cada una de sus piezas, lo que supondría en un devenido ensayo de su propia marcha fúnebre. Despierta misterio, el uso de sus cuerdas vocales es netamente ilimitado.

Experto en el manejo de los tiempos, el suspenso adiestra un piano con notas graves. Los tambores persiguen al escucha. La sensación de tormentas emana asombro, mientras uno se halla alojado en la oscuridad. Se diluyen los pasos. Un peldaño se cae y la esbelta figura de Patton nos incita a rastrearlo. Totalmente en silencio y sumergido en un estado de relax completo, los bandoneones avecinan la llegada de lo inesperado.

Esto, que para los músicos, es un ida y vuelta constante, provoca atención. La apertura de los sentidos, agotándolos al máximo. Las baladas, por su parte, tienen su particularidad y Mike Patton las canta con pasión, enterrada en la densidad y enfermedad, con un signo de advertencia.

La ilusión óptica no se apiada. Se cierra la puerta y los intérpretes invitan a explorar y sentir el sonido de lo paranormal.

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refused - the shape of punk to come: a chimerical bombation in 12 bursts

.:: It's a ballsy move to claim you're reinventing a musical genre that has been slogging along quite happily for more than two decades, but the Refused back up their chutzpah with an absolutely awe-inspiring and fearless slab of musical mayhem. The Shape of Punk to Come is nothing short of a punk-rock manifesto. Hardcore pathos is merely the foundation for their architecture: upon that they build an edifice of political expression with a take-no-prisoners approach to the search for artistic meaning and a musical liberation that includes elements of speedcore, free jazz, electronica, lo-fi, and absolutely no pop.

Politics, art, and music merge into one monolithic whole. The disc starts with the spoken epigraph, "They told me that the classics never go out of style, but they do, they do," followed by a swirling mess of noise that finally jells into the last undiscovered thunderous riff of "Worms of the Senses/Faculties of the Skull." The song stutters, then speeds along, skips, pauses, then rolls. They follow that with the groovy Gang of Four metronomic punch of "Liberation Frequency." When vocalist Dennis sings, "We want the airwaves back" in a sweet falsetto that belies his ability to deliver a screech not unlike a bull alligator clearing its throat, you believe this band isn't going to gently rise up the Billboard charts; they'd rather storm the ramparts. Unfortunately, when the band writes a song called "The Refused Are Fuckin' Dead," they aren't kidding around: the band broke up before the release of Shape. Let's hope enough people hear this album to kick-start the revolution. --Tod Nelson.

.:: Cuando Refused editó el premonitorio “The Shape of Punk to Come” nada fue igual y mientras más tiempo ha pasado desde ese mítico lanzamiento, más se valora esa provocadora obra maestra, que marcó un antes y después en la escena hardcore-punk. De hecho en los sondeos universales de publicaciones tan importantes como la Kerrang este álbum se ubica en la posición 13 de los 50 discos más importantes de todos los tiempos. La extrovertida y rabiosa mezcla de punk y electrónica de Refused tuvo una efímera existencia y hasta hoy se extraña a mares.

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the red chord - fused together in revolving doors

.:: The jaw-dropping first release from Boston's newest kings of extreme music. Spanning all facets of death metal, hardcore and grind, The Red Chord play a radically unique form of heavy music. Masterful experimentation is displayed on this impressive introduction, with tempos ranging from breakneck speed to all out pummeling breakdowns. Plenty of fret board picking, double bass, blasts and sick drum fills to please all the metal heads, along with some of the most brutal mosh parts ever captured on magnetic tape, destined to ignite the pit dwellers into a frenzy. The production on this is beyond top notch, making this the debut to end all debuts.

Containing members of Beyond the Sixth Seal, The Red Chord are a band from Revere, MA (Massachusetts) that play a mixture of technical death metal, grindcore, and metalcore. The band is known for its spastic rhythms similar to that of The Dillinger Escape Plan, Cryptopsy and Mastodon. Vocalist Guy Kozowyk runs the label Blackmarket Activities, home to bands such as Animosity,From A Second Story Window, Deadwater Drowning, Behold... the Arctopus, and Ed Gein.

The band's first album, Fused Together In Revolving Doors, saw much success in the underground metal community with songs such as "Nihilist" and "Sixteen Bit Fingerprint." One of the band's most popular songs, "Dreaming in Dog Years," was also released on this album.

The title of this album is a reference to the 1942 Cocoanut Grove Nightclub fire in Boston, MA, the deadliest nightclub fire in American history.

.:: Formados hace cinco años en la localidad de Revere, Massachusetts, The Red Chord es, a día de hoy, uno de los más reputados grupos de Grindcore del panorama internacional. Su anterior disco, “Fused Together In Revolving Doors”, vendió la friolera de 25.000 copias y les proporcionó la oportunidad de ofrecer más de 400 conciertos en 14 países. Las cifras son incontestables: estamos ante un verdadero fenómeno underground que ha logrado en menos de un lustro recibir el elogio unánime de público y crítica.

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tin hat trio - the rodeo eroded

.:: Like good musical ramblers, the Tin Hat Trio traveled around the world on their first two albums, Memory Is an Elephant and Helium. Theirs was a tango that could fill classical music's archways. A jazz that melded continents. With The Rodeo Eroded, the San Francisco-based threesome heads home. Rob Burger's accordions, piano, and myriad acoustic keyboards, Carla Kihlstedt's violin and viola, and Mark Orton's twangy guitar and Dobro take the Rodeo on a Great American Music Tour. "Bill" opens the album with a bluesy, waltz-like slow jam that Kihlstedt violins through with long-stroked dramatic flair. From there, Rodeo has the feel of a great, cinematic drama. Drunken, percussive piano marks "Holiday Joel" before a woozy take on "Willow Weep for Me" emerges from the mist with Willie Nelson(!) emoting atop a sagebrush orchestral mesa. A horse clip-clops in the form of Orton's guitar on "The Last Cowboy," just as Morricone might have envisioned. There are great, wobbly chase scenes, circus tumbles, and a host of Americanisms that bounce in, kick it up, and split with a sonic impression of the desert's parched stretches and the boundless madness of a simply warped community dance. --Andrew Bartlett

The fact that these musicians have appeared on albums by Tom Waits, Mr Bungle, and Elvis Costello (to name a few), and that both Kihlstedt and accordionist Rob Burger have albums coming out on John Zorn’s Tzadik label, should say something about what their music’s like. A fusion of gypsy, jazz, country, 20th-century classical and free improv, the songs (often written by guitarist Mark Orton) are always passionately melodic, featuring insane chord changes and amazing solos. Memory is an Elephant, their first album, had a hidden track featuring Mike Patton on vocals; Helium an extraordinary final track with Tom Waits. A Rodeo Eroded follows suit with Willie Nelson contributing a very cute vocal to a very cute jazz-pop cover “Willow Weep For Me”. As with “Helium”, the trio are augmented with extra strings and other orchestral instruments, with a truly first-class arrangement. This band are just incredible, and it’s a crying shame that nobody knows them in Australia.

.:: Desde su formación en 1997, en el Área de la Bahía, en la costa occidental norteamericana, Tin Hat Trío ha venido evolucionando dentro de un formato de jazz de cámara , acústico ensamble con instrumentos solistas sin contar con el típico acompañamiento de bajo y batería. Ubicar su estilo es quizá la tarea más difícil para el oyente que desee clasificar el cúmulo de influencias y tendencias que su música va sugiriendo; forjado ese estilo concienzudamente tras dar rienda a una manera de expresión libre y de mucho nivel interpretativo mostrado en el dominio de sus varios instrumentos, y en la aptitud al componer e improvisar tan inspiradamente. No se siente a primera escuchada que el trío quiera desplazar, renovar o conquistar alguna meta que no sea la de sonar a sus anchas sin obedecer academicismos ni romper esquemas. Esto no le da la patente de ser una agrupación simplista o de acomodaticio rol dentro de un mercado establecido. Tampoco Tin Hat Trío quiere sonar a intelectualismo sonoro y cejudo. Cada pieza pareciera descorrer una cortina de sensaciones llevadas por la sonoridad de sus instrumentos que entrelazan y apoyan una cadencia inteligente y colorida, avanzando sin relumbrones, sin angustia, pero sí con marcada pasión de buenos ejecutantes que le extraen a sus instrumentos el gozo de expresarse con soltura y precisión. La combinación de violín , guitarra y clarinete, o acordión, violín y dobro, es un sello característico que están forjando para conquistar una posible fusión entre lo clásico contemporáneo , el jazz , lo étnico de Europa del Este, Blues, música brasileña, bluegrass, tango y cierto aire country, sin dejar a un lado ese tinte de humor e ingenuidad preparada.

Otra de las características del Tin Hat Trío es la expansión de su formato acústico al invitar a otros músicos a participar en sus composiciones y en cada uno de sus --hasta ahora-- 4 álbumes. De allí que hoy en día , en sus conciertos cada vez más frecuentes sólo se presenten como Tin Hat contando con trompeta, harmonio y glonckespiel, tal como lo hicieron en su más reciente gira Europea y en su participación en varios festivales de reconocida talla , tal como el London Jazz Festival 2005. La formación original fue una coincidencia de amplitud de gustos y búsquedas surgida entre los salones de clase de la escuela primaria de Stonybrook en Nueva York entre el guitarrista Mark Orton y el acordionista Rob Burger, luego hecho realidad en el Conservatorio Peabody y en la Hart School of Music, donde se toparon con la violinista Carla Kihlstedt.

La prensa en general ha recibido cada álbum del Tin Hat Trío con muy auspiciosas reseñas tal como lo hizo The New York Times al decir: “Tin Hat mina un raro terreno medio con una insurgente mirada sutil al entrelazar el Viejo Mundo Europeo con una América post-moderna, sensualidad sureña con propiedad de sala de concierto, y extraña síncopa en su métrica, con profundos y conmovedores ritmos”. En la afamada revista Rolling Stone se lee : “Tin Hat ha creado algo cálido y enteramente único fundiendo lo avant-garde con algo mucho más familiar, revelando un mundo alternativo”. Por su parte Los Angeles Times publicó lo siguiente luego de uno de sus conciertos : “Olvida las definiciones y simplemente piensa en la música de Tin Hat Trio como un apremiante entretenimiento con rica singularidad, imaginación e inteligencia. No es de extrañarse por qué el público les respondió tan cálidamente”. Y la publicación The New Yorker fue más allá al señalar : “La encantada y extrañamente familiar música de Tin Hat es una pista de sonido para una clase de sueño en rompecabeza enigmático que te deja sentado distante en medio de la noche”. Tin Hat Trío desde un principio fue formado como un colectivo de compositores dedicados a crear una música puramente acústica que borraba las barreras entre la composición y la improvisación. Desafiando cualquier categorización, el núcleo del propósito reside en la doctrina del libre albedrío en formato de música de cámara con acento jazz-acústico como innata expresión muy del siglo XXI. Sus álbumes han seguido un derrotero muy amplio y libérrimo sin dogmas ni fórmulas preestablecidas En 1999 debutaron discográficamente con el álbum “Memory is an Elephant” con la colaboración en algunos temas del bajista Trevor Dunn, y el vocalista de la agrupación rockera Faith No More, Mike Patton, en un tema dedicado e inspirado en la voz de Enrico Caruso. Luego en el 2000 lanzaron uno de sus álbumes más escuchados: “Helium” donde expanden la lista de instrumentos usados incluyendo dobro, piano preparado, viola, mandolina, banjo y el marxophone. Además se incluye en un tema la voz de Tom Waits, a quien ellos califican como “el doctor”. Dos años después vuelven a los estudios de grabación para registrar el álbum “The Rodeo Eroded” , una exploración más a profundidad de las raíces de la música norteamericana pasando por el Blues, Bluegrass y el Country , con invitados como el legendario Willie Nelson cantando un subversivo arreglo de “Willow weep for me”; John Fishman, baterista de la agrupación “Phish”, y el percusionista Billy Martin del trio “Medeski, Martin & Wood”. Y su más reciente cd. para el sello Ropeadope Records es “Book of Silk” lanzado en Agosto del 2004 con importantes colaboradores como Zeena Parkins, Ben Goldberg y Ara Anderson.

Cuando el miembro fundador, el acordionista y pianista Rob Burger dejó el trío a fines del 2004 , Mark Orton y Carla Kihlstedt le reemplazaron con el clarinetista Ben Goldberg, presentado así un nuevo ensamble quizá más compacto , mejor fusionado , y además para su larga gira internacional iniciada en Abril 2005 contaron con Ara Anderson en las trompetas, armonio y glonkespiel, dando inicio al nuevo formato como Tin Hat Quartet. ***indieground agradece la reseña de Jordán Quintero***

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norfolk & western - dusk in cold parlours

.:: Norfolk and Western have reached maturity with their fourth proper album Dusk in Cold Parlours. Band leader Adam Selzer's unaffected, soft tenor may recall a reedy Dean Wareham (Luna), or Ira Kaplan (Yo La Tengo). His vocals are half spoken, half sung over dazzling acoustic arrangements enhanced with piano, pedal steel, optigan, orchastra bells, and tasteful percussion provided by part-time Decemberists drummer extraordinaire Rachel Blumberg. In the past Selzer's idiosyncratic lyrics have been largely overshadowed by the band's distinctly compelling arrangements. Here, his stream-of-conscious sensibility is more linear, if not narrative, and will be printed (for the first time) in the liner notes.

Recorded at Selzer's own legendary Type Foundry studio, and Tucson's Wavelab, this album documents the apex of Norfolk and Western's studio work. Contributors include Calexico's Joey Burns, M. Ward, and Craig Shumacher.

Despite it's polar opposite title, Dusk in Cold Parlours delivers in a way that Yo La Tengo's Summer Sun left wanting. Like Ira and Georgia Kaplan, the beating heart of Norfolk and Western is the living partnership of Selzer and Blumberg, whose voices and musicianship dovetail with a canny tenderness. This surprisingly formal collection of songs retains that rare ruminative quality; intimate, close, and warmed by fire, which makes it so satisfying, and in the end, addictive. Dusk in Cold Parlours is by far the most pop-leaning album of the four, but it retains the band's unique mélange of Americana, folk, and indie rock, that have made the them a live favorite.

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ben folds five - whatever & ever amen

||| RESPOSTED |||

.:: Ben Folds' Five's Whatever and Ever Amen is a fantastic collection of songs from a band beginning to believe in itself as something more than a novelty act. Having excised much of their regrettable tendency to flippancy with their first album, the three members of Ben Folds Five delivered a classic follow-up: the single "The Battle of Who Could Care Less" is a witheringly witty character study of middle-class wasters that could be thought of as an American companion piece to Pulp's "Common People". Angry and articulate, Whatever and Ever Amen is a rewarding exploration of the hitherto virgin territory between Elvis Costello and Jerry Lee Lewis. It also contained the instant live favourite "Song for the Dumped", which in one transcendentally splendid moment--Folds' exuberant yelp of "Well, fuck you, too / Give me my money back, you bitch"--managed to make the rest of rock's vast canon of unrequited affection feel somewhat redundant. --Andrew Mueller

Think of Ben Folds as Billy Joel minus the Tin Pan Alley heritage and armed with a sweet, wry, slacker ethos. In a guitar-free trio setting, the Chapel Hill smart guy pounds the ivories with gusto while singing a tremendous batch of funny ("Kate"), poignant ("Brick," "Evaporated"), pissed-off ("Song for the Dumped"), and hugely refreshing (all 12 tunes here) songs. --Jeff Bateman

For just a three piece (Ben Folds: piano/lead vocals ; Darren Jesse: drums/vocals and Robert Sledge on bass/vocals) the sound is powerful, and surprisingly flexible. On a first listening to the outright boisterous stomping of the opening track 'One Angry Dwarf and 200 Solemn Faces' you may be forgiven to assume that here we have a rocked up, swearing, 90's equivalent to the Beach Boys. That wouldn't be a bad thing, of course, but as the album unfolds (excuse the pun) you soon discover the versatility of these three absolutely clever musicians. You can throw as many influences into the bag here; lyrically Folds has been compared to Elvis Costello/Joe Jackson for his occasional cutting, kind of revenge-esque remarks, musically names thrown into the hat are Billy Joel and even Elton John. But the truth of the matter is nobody can really pinpoint Ben Folds Five' sound; people should sometimes stop try and compare artists and enjoy the artist in their own right. By the time we reach the final track, 'Evaporated', we've been taken through a fantastic musical journey of rock ('Song for the dumped'), catchy pop ('Kate'), jazz ('Stevens Last Night In Town') and some really incredible, dark reflective moments ('Selfless cold and composed'). But every song is still gloriously stamped with that amazing Ben Folds Five intelligent but careless sound, witty and honest, slack and trendy, but generously performed.

.:: Hay que reconocer que la música de Ben Folds Five es difícil de tragar a la primera. Esa mezcla de jazz con rock en la que prima el piano por sobre todos los demás instrumentos, y que termina por convertirse en un pop muy sofisticado, no es exactamente lo que uno espera de un trío de jóvenes que deberían cargar la guitarra a cuestas. Lo que sucede es que Ben Folds Five no espera convertirse en un fenómeno comercial. De hecho ‘‘Brick’’, el mayor éxito que han tenido en su carrera y que pertenece a su álbum Whatever & Ever Amen (1997), no suele escucharse en sus conciertos, según el mismo Ben Fold (vocalista y líder de la banda) porque una vez que la grabó, no pudo volver a cantarla bien. Que son originales y muy difíciles de imitar, no hay la menor duda. Con su cuarto álbum, el trío de Carolina del Norte lo que ha hecho es aumentar el grado de sofisticación que empezó en Whatever & Ever Amen El piano, el bajo y la batería con los que la banda construye su música son los responsables de ese sonido clásico que acompaña canciones llenas de cruda humanidad.

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pass: indie-ground.blogspot.com

kayo dot - choirs of the eye

.:: Ever since its founding in 1995, John Zorn's Tzadik label has never failed at releasing albums that completely defy musical genre perception. Tzadik has backed everything from John Zorn's jewjazz ensemble Masada to the master of guitar destruction, Keiji Haino. And then there's electronic super girl, Tetsu Inoue, and the hilariously great Japanese traditional/electronic pop girl combo, Hoahio. However, amongst all this chaos of musical experimentation, this album, Choirs of the Eye, stands out dramatically.

The only real similarity to Tzadik's focal point, John Zorn's discography, is the fact that it mixes many genres into one cohesive product. Zorn's Naked City project, easily the defining point in his career, mixed jazz and grindcore. Toby Driver, Kayo Dot's lead member, aimed for something much more expansive and more like the progressive-metal roots of his previous band, Maudlin of the Well; instead, Kayo Dot's output is 90% chamber jazz-esque ambiance and 10% metal.

It seems as if the band’s intent was to create and obtain a mood without so much weirding their listeners out, and while it does have its revved up, doomed out, and intense moments (witness the utterly awesome, almost Weakling-inspired black metal cacophony that comes about at around the 10:30 mark of “The Manifold Curiosity”), Choirs of the Eye is mostly a pensive and moving affair that has more in common with the releases of Talk Talk, Cerberus Shoal (with whom the band has recently toured), and The Dirty Three than with any that of any metal band I can think of offhand.

Toby Driver's experimentation is revealed much more clearly in the quieter sections. Instead of sounding similar to ISIS, the sound sounds more reminiscent of the ambiance of Rachel's and the chamber jazz of Tortoise. The style can be likened to post-rock, but I think a better likening would be to new age. Instead of relying heavily on the electric guitar, the quieter sections lean on piano, acoustic guitar, cello, and saxophone.


.:: Si fuesen otros años, el sonido de Kayo Dot se asociaría de inmediato a grupos de la corriente metalera sueca, más experimentales y ligando ciertos recursos estilísticos del post-rock a su discurso más duro. Pero en este caso, Kayo Dot no es una banda europea y, lo que es mejor, no sólo es que selecciona algunos elementos del post-rock, sino que también añade momentos de música clásica contemporánea y avant-garde a la mejor usanza de los grandes (Bartok, Cage, Riley, Reich, entre otros) para entregarnos, desde Boston, Estados Unidos, una sorpresa contundente de nuevo rock experimental.

La génesis de Kayo Dot se remonta a 1996. Claro está, que no es la misma banda de entonces. Su historia parte cuando Maudlin of the Well, remecía los círculos del metal underground norteamericano, con su mezcla de poderío estilo death más experimentaciones pequeñas de música contemporánea y vanguardia, todo encauzado por la mente febril de Toby Driver. Maudlin of the Well generó una especie de culto y, cuando la banda se desintegró en 2003, Driver creó a Kayo Dot, como una continuación natural, aunque acentuando la faceta más vanguardista, de su fallecida agrupación.

Como dato curioso, tanto Kayo Dot como Maudlin of the Well, se originaron en Massachussets, cuna de la nueva camada de bandas de metal norteamericano que tan bien están en el aspecto comercial. Lo interesante de este dato, es que Kayo Dot no recrea ningún sonido; todo es propio. Tanto, que en 2003, fueron fichados por el legendario John Zorn para su sello Tzadik y editar, -a la vez que distanciarse de sus pares de la sección de vanguardia más dura de la disquera-, “Choirs of the Eye”, un batatazo de principio a fin, que en ocasiones parece una orquesta o una banda como A Silver Mt. Zion, y en otras, experimenta al estilo de The Dillinger Escape Plan.

Otro punto a destacar es la utilización de la voz por parte de Driver, que además es el cerebro compositor detrás de Kayo Dot. Las vocalizaciones pasan de ser muy etéreas, casi espirituales, a timbres derechamente desquiciados tipo Mike Patton. Esta característica, sumada a los complejos arreglos de orquesta, construyen un notable experimento sonoro, que se expande en los cincuenta y seisminutos y fracción que dura el album.

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robi draco rosa - vagabundo

.:: Anyone who has an interest in poetic, dark, melodic rock should definitely listen to this CD. Puerto Rico has never had many large international artists in the alternative rock genre, then, along comes Draco. Releasing Frio and establishing himself as a genuine artist. Then, in 1996, he releases Vagabundo. The story of a dark time in the composer's life, and completely establishes himself as the leader of the field. This cd is one of those personal, cult gems that you dont let go of. The cd is in spanish, but anyone can appreciate the mood that is set throughout this album, culminating with an incredible song with impeccable arrangement (Amantes Hasta El Fin) and an exit from the world you have just gotten lost in, listening to this cd (Mientras Camino). Enjoy the journey....

The legend of Draco has been growing since his collaborations with Ricky Martin, composing hits like "María," "La copa de la vida," and "Livin' La Vida Loca." His first Spanish-language album, Frío, was released in 1993; his 1996 Vagabundo, produced by Roxy Music guitarist Phil Manzanera, was included in Spin magazine's 1997 list of the top 10 greatest rock en español records of all time.


.:: Enigmático y excéntrico... Con una propuesta artística enmarcada en el "hard rock" y el "alternative", este álbum, producido por Phil Manzanera (Roxy Music), representó un salto en calidad de grandes proporciones. Armonías vocales al estilo de "Alice In Chains", letras poéticas alusivas "al valle de flores de la muerte", con las guitarras en una afinación más baja de lo usual para crear un sonido más denso y pesado, "Vagabundo" es el disco "gótico" de Robi. La influencia literaria de poetas como Arthur Rimbaud, Charles Baudelaire y William Blake son patentes en las líricas, que torna el disco en una especie de crónica poética de su etapa de adicción a las drogas que caracterizó sus años de búsqueda musical y personal en Nueva York.

Podría llamarse ésta, "la etapa de la distorsión": distorsión en las guitarras y distorsión en su imagen, desaliñado y con numerosos tatuajes, alejado de aquella imagen de "niño lindo" de sus años con Menudo.

A pesar de la indiscutible calidad del mismo, el disco tampoco logró ventas impresionantes. No obstante, con él Robi fue forjándose de una fanaticada pequeña pero fiel que llenó su concierto en el Anfiteatro Luis Muñoz Marín (1998) y tres funciones en la discoteca Warehouse (1996). El cantautor anunció entonces que había cambiado su nombre legalmente a Draco Cornelius Rosa; promocionándose en lo sucesivo como Robi Draco Rosa. Igualmente adoptó otro seudónimo para su trabajo como compositor y productor de su compañero de Menudo, Ricky Martin. Bajo el nombre de Ian Blake, Draco es coautor de éxitos mundiales como "Volverás" y "María". También compuso y co-produjo el próximo disco de Martin, "Vuelve" (1998).

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markku peltola - buster keaton tarkistaa lännen ja idän

.:: Markku Peltola's CV is truly impressive. In addition to his cameo appearances with Circle and Ektroverde, he plays bass with Finland's premiere folk-punk-art band Motelli Skronkle, which he helped form in the mid-80s. He's also the respected actor who filled the title role in renowned director Aki Kaurismäki's "Mies Vailla Menneisyyttä".
His second solo CD, "Buster Keaton tarkistaa lännen ja idän" (Buster Keaton is checking out the East and the West), continues in the cinematic, romantic and comic vein of its predecessor, 2003's "Buster Keatonin ratsutilalla". Gypsy violins and sly acoustic motifs coalesce into quirky, avant-garde mini-soundtracks that bring to mind everyone from Ennio Morricone to the Penguin Cafe Orchestra to a wise old hobo asleep in a boxcar.


.:: Actor, músico y compositor. Al parecer Markku Peltola es una de esas personas que nunca dejan que el cuerpo y la mente se tranquilicen por un momento -alquien dijo Les Claypool?-. Luego de participar con Circle y Ektroverde; llevar la base rítmica con los también finlandeses Motelli Skronkle, donde toca el bajo, y participar en la película "Mies Vailla Menneisyyttä" (El Hombre Sin Pasado) del renombrado director finlandés Aki Kaurismäki. Ahora nos ofrece su segunda placa como solista: "Buster Keaton tarkistaa lännen ja idän" (Buster Keaton está revisando el Este y el Oeste), que al igual que su disco anterior, "Buster Keatonin ratsutilalla", nos lleva por caminos sonoros donde transitan guitarras acútiscas, violines guitanos, avant-garde, entre otros elementos, que hacen de esta producci'on un cocktail exquisito.


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fugazi - the argument

.:: The Argument is a bracing reminder of Fugazi's confidence and passion, reflecting the experimental impulses of their previous two albums while further refining their songs and arrangements. It's certainly their most expansive album to date, with a supporting cast that includes Bridget Cross (Unrest, Air Miami), Kathi Wilcox (Bikini Kill), Amy Domingues (Ida), and roadie-soundman Jerry Busher. There's a pronounced pop element at work this time: the title track and "Life and Limb" are Fugazi's most subtle tracks yet, their taut guitar and whispery vocals creating a quiet tension. Even a song like "Full Disclosure," which begins with Guy Piciotto's feral howling, ends with lithe harmonies. Meanwhile, tunes like "Ex-Spectator" and "Epic Problem" expand their core attack without sacrificing an iota of its explosiveness. Brendan Canty's sinuous, rock-solid drumming is key in this regard, providing monster hooks even before the guitars come in. --Mike Appelstein

AWESOME !!!


.:: "The argument" puso fin a una larga etapa de silencio de Fugazi. Con este disco McKaye y los suyos demuestran de una vez por todas que la edad no les puede, firmando por fin el primer trabajo incontestable desde "Red Medicine" (1995). Circulan mil historias sobre Fugazi, algunas increíbles, y es difícil de creer que resulte tan complicado asumir que su único objetivo es crecer como músicos, algo para lo que han demostrado sobradamente poseen virtudes innatas. En este sentido, "The argument" no sólo les libera de un cierto estancamiento, sino que supone para ellos un salto hacia adelante sin precedentes en muchos años. En esta grabación muestran que lejos de marchitarse con los años están en plena forma, no sólo creativa sino meramente física: es un disco tan directo como cualquiera de los anteriores o más. "The argument" muestra una claridad de ideas sorprendente (incluso para Fugazi), una regularidad encomiable y ofrece varios temas que a pesar de no llevar la etiqueta de clásicos como los de "13 Songs" o "Repeater" no desmerecerían en absoluto a su lado en una eventual recopilacion.

Con "Steady diet of nothing" dejaron el hardcore para adentrarse en senderos peligrosos (porque todo lo supuestamente progresivo es peligroso) y desarrollar un peculiar sello, reconocible en cosa de pocos segundos en cualquiera de sus trabajos. Desde entonces han firmado discos del calibre de "Red medicine" a irregularidades como "End hits", un disco sin equilibrio, con instrumentales sin razón de ser y en cierto modo escaso en ideas. Su antítesis es "The argument", un álbum que rebosa vida, energía, ganas de seguir adelante y sobretodo, talento. La entrada de "Full disclosure", con un muro de guitarras y Piccioto demostrando que no ha perdido un ápice de genio al micrófono (es difícil resistirse a gritar con él "I want out" una y otra vez), bastará para que cualquier infiel que haya perdido la fe en Fugazi, incluso esos que piden una y otra vez su tema favorito del "13 songs", vuelva al camino de los rectos. Ni siquiera los temas más lentos como "Life and limb" o "The kill" desmerecen a los más tradicionales, aunque vengan seguidos, y momentos como el final de "Strangelight" denotan una evolución, un crecimiento como músicos, que al fin y al cabo es lo que persiguen, incorporando nuevos elementos sin llegar a la pseudo-experimentación hueca de lo más irregular de "End hits" o "Instrument". Los mejores momentos siguen siendo trallazos a la vieja usanza, como "Epic problem" o la irresistible "Oh", algo me temo inevitable, e incluyen además giros geniales, como en "Ex-spectator" o "Nightshop" (ambas al final del disco, un final tremennndo). De nuevo, el enfoque clásico --de su segunda etapa--, con nuevos elementos. El disco termina con el tema que da nombre al álbum, en el que queda patente que su espíritu crítico sigue vigente, con unas letras con mensaje (algo menos intricado que de costumbre) transmitidas con particular determinación por un MacKaye que no ceja en su empeño de cantarles las cuarenta a todos aquellos que le disgustan.

Fugazi están ya por encima del bien y del mal, pero apalancarse en el trono no es bueno y "The Argument" nos los ofrece por fin en plena forma, demostrando que se han adaptado de una vez por todas al término "progresivo" porque por fin han progresado de forma innegable y sin perder un ápice de su calidad. Parece indicar además lo que podría ser un punto de inflexión que nos hace lamentar estos largos silencios a los que nos tienen acostumbrados. Lamentablemente, tres años después no hay noticias de un posible nuevo disco.

SIMPLEMENTE GENIAL !!!

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aphasia - aphasia

.:: Aphasia is a California-based alternative rock band. Forming in 2001, the band solidified their sound and lineup in high school, and began playing shows around the Bay Area, their local area.

By 2003 they had come to the attention of Trapt, another Northern Californian post-grunge band. Trapt mentored Aphasia and provided them with management and record-release assistance. Their first release was a three song teaser EP; shortly thereafter, in 2004, they released their first self-titled album. In 2005, DRT Entertainment re-sequenced, re-titled, and re-released the album as Fact & Fiction. In 2005, the band toured as an opener for Trapt, alongside Blindside. They are now currently on tour throughout the United States.


.:: Aphasia es una banda independiente californiana, que ha base de shows en vivo y la ayuda de internet han ido acrecentando su base de fans. Alejados del punk (plástico) tan en boga en nuestros días, o el "emo" de chicos lindos tocando riffs brutales, Aphasia ha conseguido un sonido sólido, honesto y sin pretensiones: rock con grandes melodías y tintes de hardcore.

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amiina - animamina (ep)

.:: Amiina are a quartet, that make fascinating music with a variety of instruments. All from Iceland, they are touring both as Sigur Rós' support act, and their string section, which means they have a lot more work than other support acts.

The first time Amiina released a record, the ‘animamina’ EP in December 2004, they were pretty much a group in concept alone, having previously played together only as a string quartet round their native Iceland and more latterly as Sigur Rós’s string section on their world tours. Amiina, the performing group, didn’t really come about until July 2005, with the four girls expanding their role with Sigur Ros to one of live opening act.

.:: Amina son cuatros amigas, Edda, Hildur, María Huld y Sólrún, que se conocieron al estudiar en el Colegio de Música de Reykiavik. Sigur Ros les dio el empujón necesario para bajar del Polo Norte al invitarlas no sólo a contribuir con la sección de cuerdas en sus grabaciones (ellas están entrenadas clásicamente), sino también a ser el acto telonero y acompañamiento de cuerdas de su propio acto en sus giras mundiales.

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scott walker - the drift

.:: A journey through the darkest recesses of an artist's mind, this album is both intriguing and terrifying; a true product of undiluted artistic freedom. But it's not for the faint hearted!.

Written and produced over a seven-year period, this record possesses a grotesque beauty and is simultaneously thrilling and nauseating. It's an album that you are unlikely to find filed under easy listening.

The album might have benefited from even a fraction of a change in vocal style, Walker's voice can stray into a nasal whine at times. But when it shines, it really shines and it's impressive to hear at 63 years of age he can still belt it out. I suppose the manic edge to it however serves to reinforce the albums near-gothic vision. Lyrics such as "Polish the fork and stick the fork in" are akin to the madness of Macbeth. An evil Donald Duck impression at the end of 'The Escape' is equally bananas and the album is finished off with the softer tones of 'A Lover Loves' where Walker calls to his cat throughout the breaks in the song "Pssst, Pssst, Psst."

This record is like nothing I have heard before. The nearest I could compare it to would be King Crimson and even then there's a world of difference between the madness of both. The Drift is absurdly pretentious in parts, bold, brave, insane and at times hilarious. But it flows with its own curiously strange logic.

A documentary, called 30 Century Man, about Scott's music is due out this year, with David Bowie as executive producer and it promises to offer some insight into the making of "The Drift'. For anyone with an interest into how this startling body of work came about, it'll be a must see. I'll be keeping an eye out for it, even if just to see does he really punch a donkey in Galway.

.:: Más de diez años de silencio, diez años entre tinieblas, sin saber sin vería la luz o no el nuevo trabajo de Scott Walker. Por fin podemos disfrutar –o padecer- las excelencias del devastador The Drift.

Quizá para muchos hablar del genio que ya mudó su piel hacia la opresión asfixiante en mitad de los noventa con Tilt sea algo inaudito o simplemente una laguna que deberían irremediablemente llenar. Los que creen que el riesgo y la vanguardia artística es escuchar el último disco de Liars y que una voz sugerente y personal es la de Antony, debieran acercarse con detenimiento a este Leviatán sónico.

Hablar de oscuridad y opresión es ya tópico con determinados autores y estilos musicales, y en este caso sería quedarse en la superficie de un ente inabarcable, complejo, riquísimo, feista...por poner alguna analogía diré que es lo más cercano que recuerdo a aquella obra magna que fue Defixiones: Will and Testament, Orders from the Dead de la histriónica Diamanda Galás y que el nivel dramático de la voz de Scott Walker raya lo conseguido por Johnny Cash en los albores de su vida con las memorables American Recordings.

¿Exageraciones? No lo creo, sólo se podría articular un obra como ésta si se fundamentara en unos cimientos sólidos, y conste que estos lo son, y mucho: un compromiso social que hace desfilar por sus surcos a distintos culpables de la decadencia del vetusto monstruo occidental (Mussolini, Milosevic, el terrorismo mundial) que desfilan estrambóticamente mediante hipérboles de ruidismo e inquietud a través de mutaciones orquestadas constantes. Una espiral descendente hacia el vacío, un extenuante viaje a los pozos del alma humana donde conviven la culpa, la redención y el castigo.

Un producto de quilates dirigido a un oyente exigente y sibarita, el que no se esconde de la miseria cotidiana que brindan los mass-media, el que no huye de su mediocridad y acepta el papel de absurdo peón en el engranaje fatídico en que vivimos inmersos.

The Drift es una oda al terror, una prueba de fuego que convierte otros ejercicios de estilo y búsqueda creativa –ponga aquí cada cual el listado que desee- en vergüenzas para gente moderna. Mucha pena da que un ilustre anciano venga a dar lecciones de integridad personal y artística a los cada vez menos jóvenes que tiramos de los despeluchados jirones de un mundo que se nos resbala de las manos. --Raúl del Olmo / Muzikalia.com

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mugison - mugimama! is this monkey music?

||| REPOSTED |||

.:: Mugison (pronounced Moogieson) is a one-man band from Iceland. He plays abstract psychedelic melodies inter-twined with heart-wrenching lyrics and has been compared to Tom Waits, Beck, and Will Oldham. Find out what the Album Of The Year sounds like in a land that has spawned both Sigur Ros and Björk.

The style is different in each song, from almost Black Keys-ey blues-rock on the opening track to mind-unraveling spoken-word lap pop ("The Chicken Song") to plaintive, gossamer harmony ("2 Birds"). The songwriting is interesting - it's hard to say how serious it is at any particular moment, but there is a sense of humor throughout - consider the guy's girlfriend whispering with a sexy accent in "The Chicken Song": "See, the chicken is one of very few birds that never can flaaah...but even with his head chopped off, he'll still give it a hell of a traaah." On the other hand, the songs themselves are very well-made so that is an indication of him being at least partially serious.

The sound varies immensely, as I've said. Even when it's not a full band, though, it never seems bare - the guy is a great guitar player and fills the air with notes, especially on "Murr Murr," which is good except for its guitar break, which is fantastic and the only thing I remembered about the album after the first listen. Aside from the traditionally instrumented tracks, you have a trip hop feel in "The Chicken Song," a full orchestra in "Salt," an occasional piano, and many miscellaneous pieces of sound thrown in for ambience.

.:: Mugison (pronunciado en español, múguison) es un tipo talentoso islandés de la clase de los yo-toco-y-grabo-todo-lo-que-oyes-en-el-disco. Sus melodías, abstractas y psicodélicas, se mezclan con letras realmente salidas del corazón y que estremecen cada parte del cerebro... todo esto aderezado con un humor muy peculiar que se puede percibir en la música misma. A veces no sabes cuando entras o sales de una broma dentro de una canción o si la canción misma es la broma.

Ha sido comparados con figuras de la talla de Tom Waits (inclinense por favor o hagan reverencia), Beck (que buen disco The Information, ehh) o Will Oldman y no es para menos, la calidad y la frescura de su música nos hace pensar que Islandia (musicalmente hablando) no sólo es Sigur Ros o Björk.

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pass: indie-ground.blogspot.com

jarvis cocker - jarvis

.:: "Jarvis" is the debut album from one of Britain's greatest songwriters of all time, former Pulp frontman Jarvis Cocker. With an all-star cast of backing musicians (including Richard Hawley and Steve Mackey), Cocker has returned with a strong set of songs that will remind fans of his previous work just how much they missed him during his hiatus. Includes thetracks 'Black Magic' and 'Stormy Weather'.


.:: "Jarvis" es el debut en solitario de uno de los más grandes compositores británicos de todos los tiempos, ex líder y vocalista de Pulp, Jarvis Cocker. Acompañado de un grandes nombres (entre otros, Richard Hawley y Steve Mackey), Cocker regresa con un puñado de grandiosas canciones luego de un tiempo inactividad. Sin duda estas canciones recordarán a sus fans (entre los cuales me incluyo) sus últimos trabajos con Pulp; se agradece la cercanía al sonido ¨This Is Hardcore¨.

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trois couleurs: bleu - zbigniew preisner (o.s.t.)

.:: Three Colors: Blue is the first part of Kieslowski's trilogy on France's national motto: Liberty, Equality, and Fraternity. Blue is the story of Julie who loses her husband, an acclaimed European composer and her young daughter in a car accident. The film's theme of liberty is manifested in Julie's attempt to start life anew free of personal commitments, belongings grief and love. She intends to spiritually commit suicide by withdrawing from the world and live completely independently, anonymously and in solitude in the Parisian metropolis. Despite her intentions, people from her former and present life intrude with their own needs. However, the reality created by the people who need and care about her, a surprising discovery and the music around which the film revolves heals Julie and irresistably draws her back to the land of the living.

Blue is one of those little movies that grows on you. The more you think about it the more you like it. That's not to say that it's not enjoyable to view; the cinematography and music are marvelous. But this is Juliette Binoche's movie. Everything revolves around her character. Not traumatic, or depressing as the subject matter may imply it is instead subtle, graceful, and beautiful.

.:: Kieslowski conquista definitivamente Europa con este bello, lento e hipnótico poema visual, primera parte de su magistral triloglía sobre los colores y lemas de la bandera francesa. Julie pierde a su marido (un gran compositor) y a su única hija en un accidente de automóvil. Destrozada, decide comenzar una nueva vida de forma anónima e independiente, intentado librarse de todas las ataduras de su pasado, mudándose a un apartamento y deshaciéndose de todas sus anteriores pertenencias. Pero su pasado volverá cuando un periodista sospecha que ella es la autora de la obra de su difunto marido... La impresionante música de Preisner pone la banda sonora a este silencioso retrato del dolor reflejado en el suave y claro rostro de la Binoche.

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nasum - helvete

.:: Performed by a trio which included Mieszko Talarczyk, Jesper Liver�d and Anders Jakobson, this album contains lot of anger, violation, energy and pure heaviness. This band was one of the best grincore bands in their days, maybe not the best but one of the better ones. The album has 22 tracks including an extra track which is a japanese bonus track, this album did also include some guest performances, one of them was J�rgen Knot Sandstr�m (Entombed, Grave) and the grindcore legend Shane Embury from the famous grinders �Napalm Death�.

The lyrics also differ from your friendly neighbourhood Grindcore band. Political to an extent, the lyrics are full of unfriendly attitude dealing with exploitation, war and such in some songs whereas cursing nazis, neo-liberals, greedy rip-offs and co. in "We Curse You All". I could swear that "Bullshit" is the band's opinion about George Bush and the war in Afghanistan and Iraq.

Topping their debut and even the brilliant "Human 2.0" "Helvete" fortifies NASUM's position as being the number one Grindcore band out there and it is/was undoubtedly be THE best Grind feast of 2003 unless something really odd happens. Totally recommended for genre freaks but worth a listen for fans of Death Metal alike.


.:: "Helvete" o, lo que es lo mismo, Infierno en sueco, es el tercer trabajo discográfico del trío sueco Nasum, considerados a estas alturas como una de las más grandes bandas del panorama grindcore del planeta. En esta tercera entrega, Nasum vuelven a mejorar, aunque sin aportar excesivas dosis de originalidad. El disco es 100% sonido Nasum y la producción (a cargo del propio guitarrista-vocalista Mieszko, ya experimentado en estas labores, en los Soundlab Studios) es excelente. Al igual que su anterior disco, "Human 2.0", no nos encontramos ante la típica grabación grindcore con sonido áspero y sucio, sino que suena todo a la perfección, nítido pero, por supuesto, brutal e intenso.

Musicalmente, para quien no los conozca, Nasum se mueven en un terreno que dominan a la perfección: el Grindcore. ¿Qué es el Grindcore? Digamos que es una especie de hipérbole del Death Metal, una exageración de los clichés musicales que predominan en este género tan en boga últimamente. Si el Death es bruto, el Grind lo es aún más; si es el Death es rápido, el Grind lo es más; si el Death es intenso, el Grind lo es más. Por eso es un género totalmente underground, aunque encontremos bandas como estos Nasum que son verdadero caviar sonoro. Las letras son, evidentemente, el otro gran punto fuerte de este tipo de grupos. Podemos diferenciar entre los grinders obsesionados con el gore (Carcass, Exhumed, Aborted…) y los que tratan sobre cuestiones políticas (Napalm Death, Nasum… Desde mi punto de vista, se trata de una temática bastante más interesante de cara al oyente/lector. Y en este aspecto, Nasum salen muy bien parados.)

A diferencia de su anterior grabación (Human 2.0), Helvete suena algo más metal y menos hardcore-punk que Human 2.0, de la misma forma que éste se distinguía de Inhale/Exhale. En este caso, podríamos decir que Helvete es un disco más accesible, pero sin engañarnos, ya que las diferencias son mínimas. Perfectamente, se podría decir que Helvete suena como un "Human 2.0" mucho más elaborado y maduro.

Como curiosidad, la aportación de los invitados Shane Embury (Napalm Death), tocando el bajo en los temas "Drop Dead" y "Whip", y de Petter Freed (Entombed, ex -Grave), como guitarra adicional en "Just Another Hog". Por algo será que el cantante de Napalm Death, Barney Greenway, afirma que "el metal extremo nunca había sido mejor que esto" (en referencia a "Helvete").

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so far...

i plan on this blog being an eclectic one.
you will find the most extreme metal, the finest pop or the weird sounds of an avant garde artist, and so on... so i hope that the visitors enjoy the blog.

so, if you want to exchange links, music or just say hi, drop me a line: indieground@gmail.com

magyar posse - live in oulu, finland

.:: Magyar Posse is Finnish instrumental post-rock band formed in 2000 in the city of Pori. Their debut album Magyar Posse - We Will Carry You Over the Mountains was released on Verdura Records in 2002, and it got a good reception. The Second album Magyar Posse - Kings of Time on the same label in 2004 gave them more publicity. It went to Top40 in Finland and was praised by critics.

Magyar Posse's music is instrumental and usually has a soundtrack-like atmosphere. Their biggest influence is a soundtrack composer Ennio Morricone, although their music reminds more of certain post-rock bands like Godspeed You! Black Emperor, Sigur Rós and Tortoise


.:: Magyar Posse es una banda proveniente de las gélidas tierras de Pori, Finlandia. Su sonido (instrumental) está muy enraizado en el trabajo de Ennio Morricone, aunque por momentos podemos encntrar pasajes que recuerdan a grandes del post-rock como Godspeed You! Black Emperor, Sigur Rós and Tortoise.

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sonic youth - goo

.:: After spending the 1980s terrorizing the underground alternative scene with their oddly tuned guitars and inventive song structure, this New York City art-punk band started the next decade with a major label deal and a determination to make rock loud and sexy for all concerned. The single "Kool Thing," which features a cameo from Public Enemy's Chuck D, immediately proved they had both the dynamic control and the range to meet such a challenge. Backed by an album of taut, riff-driven anthems ("Dirty Boots," "Titanium Expose") and moments of extended feedback bliss (Lee Ranaldo's "Mote"), Sonic Youth redefined what hard rock would sound like in the '90s. It's no wonder Nirvana respected them so. --Rob O'Connor


.:: Algunos dicen que Sonic Youth lo empezaron todo, que después de ellos el tan trillado y gastado rock no pudo ser más que un resquebrajamiento de las nociones básicas de la melodía. Por supuesto que a los jóvenes sónicos esto no les interesará en lo mas mínimo siempre y cuando las cuerdas de sus guitarras aguanten que el trémolo sea utilizado como la palanca que nunca le dieron a Arquímedes para levantar la tierra. Claro que debemos admitir que antes y después de “Goo” hay mucha más historia, inclusive podemos hasta decir que este no es ni será el disco más “interesante” de Sonic Youth –quizás sólo el más conocido. Sin embargo, este fue todo un logro musical, le proporcionó a los chicos sónicos una legitimidad difícil de alcanzar en la escena del underground norteamericano. Basta revisar todo el amplio –amplísimo- espectro de bandas que le agradecen a Sonic Youth el hecho de haber causado tal clase de ruido como para que sepamos que todo lo que digo es cierto

Afirmar que son el Velvet Underground de los ochenta y los noventa puede ser una arbitrariedad típica de críticos demasiado obtusos y poco imaginativos, pero si nos vamos a las incidencias que tuviese el sonido y el estilo de Sonic Youth es en verdad difícil evitar las semejanzas. De cualquier forma, ¡bienvenida sea toda aquel ruido que revuelva el tedio musical! En este sentido, “Goo” de Sonic Youth fue lo bastante revoltoso como para acabar con todo aburrimiento. --José Armando García

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dred scott - small clubs are dead

.:: San Francisco Bay Area keyboardist (musical director for acid jazz band Alphabet Soup) presents this work as a biting effigy to the dying club scene in America; he combines elements of straight-ahead jazz run through a blender of modern harmony & complex rhythmic.

''My first self-produced recording. It contains all original jazz music for piano trio and features two songs with Carlos Valdez on alto and Kenny Brooks on tenor. Joe Brigandi and Kenny Wollesen alternate on drums and Wilbur Krebs plays bass.'' Dred Scott.

.:: El tecladista y director musical de la banda de acid jazz Alphabet Soup, nos presenta este material que combina elementos de un jazz vanguardista, mezclado con ricas armonías y ritmos complejos.


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